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5 techniques d'aquarelle que vous pouvez apprendre de Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner et d'autres artistes aquarellistes célèbres

5 techniques d'aquarelle que vous pouvez apprendre de Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner et d'autres artistes aquarellistes célèbres


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Apprenez les techniques d'aquarelle - pour la composition, les éléments de conception et le point focal - de célèbres aquarellistes tels que Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner, John Singer Sargent et Edward Hopper.

Carnet essentiel de l'aquarelliste est la ressource à choisir après avoir absorbé cette inspiration magistrale. Réinventez des scènes qui rivalisent avec n'importe quelle photo de référence que vous avez et découvrez la joie de l'aquarelle pour continuer à peindre à votre façon. Prendre plaisir! - Courtney

1. Adoptez un point de vue unique comme Winslow Homer

À l'hiver 1885-86, Winslow Homer (1836-1910) a peint un certain nombre d'aquarelles saisissantes pendant ses vacances à Nassau. Populaire pour son cadre magnifique et son climat tempéré, ce port des Bahamas était encore une station balnéaire à la mode. Mais dans son aquarelle, Un mur, Nassau, Homer ne donne pas au spectateur la vue classique de carte postale illustrée. Certes, la scène est remplie de couleurs tropicales luxuriantes et d'une lumière caribéenne saisissante, mais le point de vue est très inhabituel.

Loin d'un panorama pittoresque typique, Homère a bloqué la vue classique du littoral avec un mur gris épais. Le mur envahissant ne domine pas seulement la moitié inférieure du tableau; il est également simple et non texturé. L'ouverture verticale dans les verts et bleus tropicaux frais du bord de l'eau offre le seul soulagement. Mais même cette invitation au milieu du tableau se situe inconfortablement loin à gauche et nous éloigne du point focal principal: le voilier blanc.

Faire des coupes

De plus, Homer a coupé le tableau en deux avec deux lignes horizontales très marquées. Dans ce cas, Homer s'en sort en utilisant de tels dispositifs artistiques non traditionnels parce qu'il a mis en place des tensions dynamiques intéressantes et un fort sens du mouvement.

Remarquez les touches d'orange terne et de rouge sur le mur qu'il utilise pour harmoniser le mur avec le rouge plus fort dans les fleurs ci-dessus et pour créer une forme décisive mais subtile dans le coin inférieur droit pour attirer l'œil vers le milieu.

Le jeu de la lumière tachetée sur le mur (un exemple de la grande exploitation de Homer du papier blanc) mène également habilement l'œil à travers le mur vers le centre. Le ciel et le feuillage conduisent l'œil de gauche à droite, et les feuilles de frangipanier rouge flamboyant relient les principales zones de la peinture car elles semblent exploser comme des feux d'artifice au-dessus du mur épais.

Précurseur du modernisme

Préparant le terrain pour la peinture américaine moderne, cette composition a une simplicité presque orientale, mettant l'accent sur les tensions et les équilibres pour créer un point de vue unique. Les aquarelles d'Homère sont considérées par beaucoup comme le plus grand art jamais produit par l'Amérique. Et son talent pour défier le spectateur avec une vue inconfortable ou pas si évidente est une des raisons. Un autre est son exécution directe et énergique du médium. Il peint très délibérément et avec un contrôle extraordinaire, mais obtient un look non travaillé.

2. Maîtrisez votre composition comme Andrew Wyeth

Dans sa célèbre peinture à la détrempe aux oeufs de 1948, Christina’s World, Andrew Wyeth nous donne un excellent affichage de son utilisation habile des dispositifs de composition. Dans cette peinture, il démontre que les éléments de conception n'ont pas besoin d'être visibles pour être efficaces. Parfois, en fait, ils sont si subtils qu'ils échappent à votre attention, à moins que quelqu'un n'attire votre attention sur eux.

Si vous regardez attentivement, vous verrez deux mèches de cheveux lâches qui dépassent du côté de la tête de Christina. Ces deux écluses se présentent sous la forme de lignes courbes, qui font écho à la paire de pistes voisine qui mène en amont de la maison. En haut à droite de l'allée, il y a une clôture qui fait à nouveau écho à ces lignes. Sur le côté gauche de la tête de Christina se trouve une autre touffe de cheveux, dont la forme fait également écho ailleurs sur la photo. C'est répété dans la ligne sinueuse dans le champ en haut à gauche, et encore - cette fois en sens inverse - sur le côté opposé de sa tête.

Un corps de femme, répété

Il y a aussi une forme pleine qui se répercute dans cette peinture - une forme assez discrète, mais extrêmement puissante. La forme du corps de la femme résonne de façon abstraite dans les formes des bâtiments en arrière-plan. Cela se produit dans le groupe de bâtiments dans le coin supérieur droit de l'image. Et vous le trouverez à nouveau dans le petit bâtiment situé juste au-dessus d'elle au sommet de la colline.

Ce que nous avons ici, en effet, est une forme organique (le corps de la femme) qui se fait l'écho de deux formes géométriques. Cette répétition de formes n'est ni accidentelle ni fortuite. C’est le produit du génie de la composition de l’artiste. Et c'est ce genre d'instinct qui fait le grand art.

Paysage et figure

L'élément dominant de ce tableau est la pente apparemment vaste et désolée, qui isole la figure désespérée qui s'étend au sol. (Christina Olson, la mannequin de Wyeth, était incapable de marcher.) L'accent est cependant mis sur la figure.

D'une part, l'œil est beaucoup plus susceptible d'être attiré par une forme humaine que par un bâtiment. Une forme complexe est également plus susceptible d'attirer l'attention qu'une forme simple, et le corps torsadé du modèle est beaucoup plus complexe que toute autre chose en vue.

Lignes pour diriger l'œil

Dans Christina’s World, nous pouvons également découvrir l'utilisation intelligente de Wyeth des lignes directionnelles. Dans la partie supérieure du tableau, il utilise des lignes diagonales pour diriger votre œil vers l'image et vers la maison sur la colline, où Christina regarde - et qui est probablement là où elle veut être.

La forme de la figure apparemment échouée est entièrement constituée de lignes diagonales, qui évoquent la transition et / ou l'instabilité. Les bâtiments au sommet de la colline, au contraire, sont des éléments stabilisateurs - en particulier celui de droite (la maison de Christina). Bien que leurs toits soient inclinés, ils sont plus que compensés par les contours verticaux des côtés et des cheminées des bâtiments. Ainsi, les structures semblent être assez solides et robustes. Cela contraste radicalement avec la figure flatteuse du champ ci-dessous.

Wyeth a également utilisé le principe du point de vue et de la perspective à son avantage ici. Il ne fait aucun doute que le chiffre est près de chez vous, alors que la maison est loin. Cette longue vue, qui la regarde à travers la maison éloignée, souligne son état d'isolement. Et parce que Wyeth a placé notre point de vue derrière Christina, nous partageons sa désolation, qui intensifie l’impact psychologique de la peinture.

3. Adoptez une approche directe comme John Singer Sargent

"Vivre avec les aquarelles de Sargent, c'est vivre avec le soleil capté et détenu", a expliqué l'un des nombreux biographes de l'artiste. En effet, John Singer SargentLes aquarelles semblent émettre de la lumière. Dans Figure avec draperie rouge, tout l'espace vibre de la bravoure de son pinceau.

Une histoire d'amour

Il ne fait aucun doute que Sargent (1856-1925) aimait l'aquarelle. Dès le moment où il a étudié les maîtres dans les musées et est tombé amoureux de la peinture, il a utilisé l'aquarelle. L'immédiateté de celui-ci le ravit. Et comme tout vrai maître, il a pu transférer les techniques d'aquarelle qu'il maîtrisait sur tous les autres supports qu'il essayait. Avec une simple boîte de conserve de couleurs de casserole, Sargent a déclaré qu'il «tirerait le meilleur parti d'une urgence».

Sargent’s Ways

Son processus était simple: il a d'abord humidifié son papier avec un léger lavage de couleur, laissant certaines zones intactes. Puis, avec un pinceau chargé, il a commencé à articuler la forme de la figure et à charger le tissu rouge d'une couleur riche et saturée.

Il n'a jamais décrit ses sujets à ce stade précoce - le papier serait encore trop humide pour obtenir un bord net. Au lieu de cela, il a sculpté la silhouette en donnant à chaque partie du corps des formes d'ombres moyennes et des formes d'ombres sombres évidentes, tout en laissant habilement les zones les plus claires.

Il a peint le côté sombre d'une forme, ainsi que la zone entourant la forme, partout où la valeur était similaire. Comme le papier commençait à sécher, il utilisait des traits de peinture foncés et accentuait les bords pour définir les formes et montrer la lumière.

Un grand peintre, un plus grand dessinateur

Comme en témoigne son pinceau confiant, Sargent était un excellent dessinateur, le résultat d'années de pratique constante. Un ami artiste Adrian Stokes, en l'observant, a noté: «Une fois installé ... la rapidité et la franchise avec lesquelles il a travaillé était incroyable ... Sa main semblait bouger avec la même agilité que lorsque vous jouiez sur les touches d'un piano ... C'était une sorte de sténographie, mais c'était magique. "

4. Combinez le réel et le romantique comme J.M.W. Tourneur

Le siècle des Lumières du XVIIIe siècle a marqué une époque où les scientifiques et les artistes étaient absorbés par l’importance de l’observation et de l’étude. John Ruskin, le grand écrivain et critique d'art anglais de l'époque, a écrit que J.M.W. Tourneur (1775-1851) «avait l'habitude de se promener dans une ville avec un rouleau de papier mince dans sa poche et de faire quelques égratignures sur une feuille ou deux, qui étaient tellement une indication abrégée de tout ce dont il souhaitait se souvenir. Quand il est arrivé à son auberge dans la soirée, il a terminé le crayonnage rapidement et a ajouté autant de couleurs que nécessaire pour enregistrer son plan de l'image. "

Une conflagration observée

Lorsque les chambres du Parlement de Londres ont été consumées par les flammes le 16 octobre 1834, Turner était au large dans un bateau à rames enregistrant rapidement la scène dramatique dans son carnet de croquis de poche. Il a tourné les pages si rapidement afin de capturer la scène à partir de nombreux points de vue que le dos de chaque aquarelle a un peu de la précédente tachée.

Certes, Turner a été influencé par le siècle des Lumières, mais il était également un produit de l'âge romantique (1789-1837), une époque où l'art et la science étaient inexorablement liés. Comme d'autres artistes romantiques, il n'était pas seulement intéressé par l'observation, mais aussi par l'émotion. Ses sujets avaient souvent des connotations symboliques et son travail au pinceau était aussi subjectif qu'objectif.

Lorsque Turner a peint ce grand monument en flammes, ce n'est pas le détail sur lequel il s'est concentré. Il a peint la fureur des forces de la nature. Dans ses mains, le feu, l'eau et le ciel enfumé sont devenus un événement apocalyptique.

Lorsque vous regardez la série de croquis de l'incendie qu'il a fait sur place, vous pouvez voir où il a littéralement attaqué le papier avec des coups de pinceau furieux. Et en L'incendie des chambres du Parlement, une étude réalisée un an plus tard, Turner explore toujours le thème de la fureur de la nature et le développe dans des versions plus riches et plus complexes. En fait, Turner était tellement fasciné par le thème qu'il le peindrait encore et encore à la fois à l'aquarelle et à l'huile.

5. Étudiez la lumière comme Edward Hopper

Edward Hopper (1882-1967) a commencé sa carrière artistique comme illustrateur commercial. De l'expérience, il raconte: «J'ai toujours été intéressé par l'architecture, mais les éditeurs voulaient que les gens agitent les bras. Peut-être que je ne suis pas très humain. Ce que je voulais faire, c'était de peindre la lumière du soleil sur le côté d'une maison. »

Dans Le toit Mansard il a peint l'architecture à sa façon. Il a transmis la forme avec le drame de la lumière, remplissant presque toute la composition de cette grande structure frappante. Hopper a peint la maison lors d'une de ses nombreuses visites d'été à Gloucester, Massachusetts, sur Cape Ann.

Point le plus à l'est des États-Unis, Cape Ann est souvent un endroit très venteux. En conséquence, Hopper a souvent peint des scènes comme celle-ci de l'intérieur de sa voiture. Puisque Gloucester est une vieille ville, la plupart des maisons sont situées les unes à côté des autres et très près de la rue. Le recadrage de cette image montre comment nous vivrions la maison en marchant ou en conduisant.

Voir, peindre

Hopper a généralement peint ses aquarelles sur place. Pour lui, saisir le caractère unique d'un jour particulier était son véritable sujet. Dans Le toit mansardé il a minimisé les caractéristiques individuelles du bâtiment afin que le temps, la période de l'année, le vent, la lumière et l'ombre, le mouvement des auvents et le jeu de la lumière chaude et fraîche dominent la scène.

Remarquez les touches de jaune chaud qui teintent le côté ensoleillé du bâtiment et s'entremêlent avec les ombres violettes fraîches, peintes comme des traits de formes ludiques et mobiles qui dansent sur les surfaces complexes de cette maison.

Un maître dans la préservation du blanc du papier, Hopper a souvent commencé ses aquarelles avec un croquis au crayon léger mais toujours improvisé en développant la peinture. Cela dit, il n'a jamais perdu de vue son objectif d'inclure uniquement les éléments dont il avait besoin pour saisir les détails d'un moment dans le temps.


Voir la vidéo: Dog In Watercolor painting (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Gardajin

    Frais !!! Le soir je regarderai certainement

  2. Shanahan

    c'est comme ça que vivent les autres

  3. Kajimuro

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