La vie d'artiste

Une conversation avec Stephen Quiller

Une conversation avec Stephen Quiller


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Le sixième d'une série quotidienne exclusive d'artistes:

Maîtres de l'aquarelle américaine

Stephen, que pouvez-vous nous dire en général sur vous-même en tant qu'artiste et votre façon de travailler.

D'abord et avant tout, je suis un peintre des médias aquatiques. J'utilise ces médias de manière «aquarelle», mais je trouve que chacun a ses propres qualités visuelles et caractéristiques de manipulation qui ajoutent à mon vocabulaire et à mon expression en tant que peintre des médias aquatiques. Au fil des ans, j'ai travaillé dans la plupart des médias, y compris la gravure, mais je trouve qu'il y a une qualité spirituelle lorsque je travaille dans les médias aquatiques qui me captive. Dans les moments où le papier est mouillé et où la peinture et le pinceau bougent, j'écoute, j'observe, je réagis et je fais partie du processus. Bien sûr, tout cela vient avec 45 ans de peinture chaque jour. Pourtant, chaque nouveau morceau de papier apporte une nouvelle expérience et découverte.

Comment vous êtes-vous intéressé à l'aquarelle?

Au début des années 60, j'ai suivi des cours d'aquarelle en soirée où j'ai appris à manipuler un pinceau et les principes de base du médium. Mon premier instructeur était Darrell «Skip» Elliot, qui a ensuite ouvert une galerie à Taos, au Nouveau-Mexique. J'ai ensuite étudié avec Thomas Curry, qui m'a initié à la théorie des couleurs. Ces deux peintres m'ont donné mon départ.

Quels sont les aquarellistes qui vous ont le plus influencé?

J'ai depuis développé une passion pour l'étude des artistes et de l'histoire de l'art, et j'ai maintenant une importante bibliothèque de référence. Parmi les nombreux peintres qui m'ont influencé, deux sont au premier plan: Arthur Melville (1855-1904) et Charles Burchfield (1893-1967). J'ai vu ma première aquarelle du peintre écossais Melville au Victoria and Albert Museum de Londres en 1984. Il avait une approche très picturale, appliquant et soulevant de l'aquarelle puis ajoutant de la gouache translucide et opaque. Depuis, je suis allé dans de nombreux musées britanniques pour étudier ses œuvres. Mon intérêt pour Burchfield est qu'il a creusé sous la surface lors de la peinture du paysage. Il a peint les sons, les odeurs, les mouvements, le vent et l'énergie qui donnent vie au sujet. J'ai assisté à ma première exposition Burchfield aux Kennedy Galleries de New York au milieu des années 70. Cet été, j'ai été invité à donner une conférence, une démonstration et une petite exposition de mes œuvres pour le 50e anniversaire du Burchfield-Penny Art Center à Buffalo, N.Y.

Vous avez dit que les artistes sont à leur meilleur lorsqu'ils peignent ce qu'ils savent. Vous êtes un peintre de la nature. Pouvez-vous nous dire comment cela s'applique à votre travail?

En tant que peintre, il est important de trouver les sujets qui me passionnent le plus et de m'y plonger ensuite. Par exemple, je suis un peintre paysagiste qui vit et respire les hautes montagnes de San Juan, dans le Colorado. J'ai une maison et un studio à côté de la rivière Rio Grande avec une vue à 360 degrés sur ces montagnes. Tout changement de lumière ou d'humeur, je le vois. Au fil des ans, je vois ces sujets plus profondément, connaissant intimement les formes. Cela me libère pour exprimer. J'ai la chance d'avoir trouvé l'endroit où se trouve mon cœur; tout le reste est basé sur cela. Quand je suis en peinture ou en studio, je prends le temps de méditer et de prendre en compte mon sujet. Pour moi, il ne suffit pas de peindre littéralement la scène. Je veux interpréter et peindre ce que je ressens à propos de ce que je vois. Je peux réorganiser la composition, exagérer la couleur ou le halo de ces formes vivantes, ou conserver une humeur ou une lumière momentanée même si le jour a changé.

Qu'est-ce qui vous attire le plus lorsque vous recherchez un sujet potentiel?

Je trouve que les meilleures idées me trouvent plutôt que le contraire. Plutôt que de chercher des idées, la meilleure inspiration vient alors que mon esprit est neutre. Cependant, je porte toujours un carnet de croquis au cas où quelque chose se passerait. Par exemple, en faisant du ski de fond en fin d'après-midi, je prends conscience de sensations d'ombre et de lumière sur mon visage en descendant une colline. Je m'arrête et je pense «c'est ce dont j'ai besoin pour peindre». Je reviens sur mes traces et fais quelques croquis, prenant des notes qui donnent lieu à une peinture importante.

Vous faites de nombreux dessins et peintures sur place. Vos peintures d'atelier sont-elles généralement basées sur votre travail de localisation?

La plupart de mes ateliers de peinture sont basés sur des expériences de peinture et d'esquisse sur place. Les peintures d'atelier sont généralement plus grandes, se concentrant sur la couleur et l'expression - et les milieux aquatiques expérimentaux et la composition basée sur des croquis et des aquarelles sur place.

Avez-vous déjà trouvé des photos utiles?

Plus récemment, j'ai pris un appareil photo numérique avec moi. J'utilise l'appareil photo si mes mains sont trop froides pour esquisser ou si je suis avec des amis; Plus tard, j'ai mis la photo sur mon écran d'ordinateur et en ai fait un croquis.

Vos peintures sont réputées pour leur design et leurs couleurs fortes. Faites-vous de petites compositions préliminaires et des ébauches de couleur?

Je prends mes peintures et croquis sur place, fais des études de réarrangement pour la composition et prends des notes de couleur. Cette préparation est importante pour référence mais une fois que je commence une peinture, je la laisse trouver sa propre vie et je me retrouve absorbée par le processus. Il y a des moments où je commence à peindre, puis apparemment quelques instants plus tard, il fait noir et la fin de la journée. La peinture n'a rien à voir avec le temps mais totalement l'énergie et l'amour qui y pénètrent.

Vous êtes également connu pour votre développement et vos recherches sur la couleur. Que pouvez-vous nous en dire?

J'ai eu un intérêt à vie pour la couleur qui a conduit au développement de la roue Quiller, de deux livres et de nombreuses vidéos sur la couleur. Ces supports pédagogiques mettent l'accent sur la façon dont la théorie des couleurs et la palette peuvent être utilisées par le peintre. J'incorpore une palette universelle de douze couleurs qui peut capturer n'importe quelle couleur, humeur, région ou sujet. Cette approche est maintenant utilisée par des artistes du monde entier. Les concepts et la palette peuvent être utilisés sur n'importe quel support. Lorsque j'utilise l'aquarelle, ma palette de 12 couleurs comprend:

Primaires—Jaune jaune clair, rose quinacridone et bleu phtalocyanine (nuance verte)

Secondaires—Cadmium rouge-orange, violet outremer et vert phtalocyanine (nuance bleue) ou viridian

Intermédiaires—Orange cadmium, rouge cadmium, magenta, bleu outremer, turquoise phtalocyanine, lumière verte permanente.

Y a-t-il des couleurs de tube sur lesquelles vous comptez plus que d'autres et que vous évitez?

De plus, j'ai quelques couleurs supplémentaires qui sont importantes car elles granulent ou aident à définir une ambiance particulière. Deux de mes couleurs les plus utilisées sont le violet de cobalt et le jaune de Naples, à la fois dans ma ligne de signature et importés et distribués par la Jack Richeson Company. Je n'évite pas intentionnellement les couleurs car il peut y avoir un moment et un lieu pour chacun. Cependant, en général, je n'utilise pas de terre ou de toute couleur neutralisée. En effet, avec mon système, tout cela peut être facilement mélangé avec la flexibilité de prendre la note de couleur plus neutre ou vers une teinte pure.

Dans certains cas, vous utilisez des acryliques transparentes et de l'aquarelle transparente dans la même peinture. Cela peut-il présenter des problèmes techniques?

Comme je l'ai mentionné précédemment, chacun des milieux aqueux a ses qualités visuelles et caractéristiques de manipulation particulières. Par exemple, je peux laver l'acrylique de manière transparente sur un papier aquarelle rugueux. Lorsqu'il est utilisé de manière transparente, l'acrylique sèche de la même intensité et valeur que lorsqu'il est mouillé (par opposition à l'aquarelle qui sèche deux fois plus que la lumière). Lorsqu'il est utilisé à l'état pur, l'acrylique donnera un ton riche, beau et lumineux. Il tache également les fibres mais ne scelle pas le papier. Une fois sèche, la couleur ne se décollera pas à cause du liant en résine poly. Ainsi, au lieu d'un morceau de papier aquarelle blanc, j'utiliserai un morceau de papier aux tons lumineux. Je peux réhumidifier et appliquer une aquarelle granuleuse sur la surface et revenir à l'acrylique tonique. Je peux pousser cela encore plus loin en ajoutant ensuite des notes de gouache ou de caséine translucide et opaque pour mettre en valeur les qualités visuelles acryliques et aquarelles transparentes.

Quel papier préférez-vous - marque, presse à froid, presse à chaud, etc.?

Selon le support, le sujet et l'approche que j'utilise, j'utilise le plus souvent ces trois supports. J'aime un papier aquarelle grossier de 300 livres avec un dimensionnement de surface tel que Waterford, Lanaquarelle ou Fabriano Artistico; une planche d'aquarelle à froid comme Crescent # 5114 ou Canson; Aquabord par Ampersand. Je ne prépare aucun papier avant de commencer.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un aquarelliste en herbe?

J'ai eu la chance incroyable d'avoir fait de la peinture ma vie. Ce n'est pas un moyen de gagner sa vie mais un mode de vie. Il est naturel au début d'une carrière de penser: «Un jour, je pourrai utiliser la couleur de manière plus expressive, ou avoir des compositions plus fortes, ou être plus habile techniquement.» En réfléchissant, il y a des choses que je faisais au début de ma carrière que je ne peux pas faire aujourd'hui. Et il y a des choses que je fais aujourd'hui que je ne pouvais pas faire alors. Il est important de réaliser que chaque étape de la carrière de peintre est importante et se construit à la suivante. Chaque moment du processus est important. Je le prends avec gratitude et apprécie la balade.

Steven Quiller est un peintre professionnel à temps plein depuis 1972. Stephen est enseignant et théoricien de la couleur. Il a écrit six livres, produit de nombreux DVD et peint dans le monde entier. Cependant, il est surtout connu pour ses peintures de son pays de montagne du sud du Colorado bien-aimé. En plus de ses nombreux prix et adhésions, Stephen est un membre emblématique de la National Watercolour Society et un membre emblématique et Dolphin Fellow de l'American Watercolour Society. Pour plus d'informations sur Stephen, visitezson site web.


Voir la vidéo: Preview. Color Foundation with Stephen Quiller: Personal Expression Painting Demonstration (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Kasey

    Excusez-moi, j'ai pensé et supprimé le message

  2. Weolingtun

    C'est dommage que maintenant je ne peux pas exprimer - c'est très occupé. Je serai libéré - j'exprimerai nécessairement l'opinion.

  3. Aballach

    Il y a quelque chose. Merci beaucoup pour l'information. Vous êtes semblé être juste.

  4. Connah

    Question utile

  5. Kazratilar

    Je vous suis très reconnaissant.



Écrire un message