La vie d'artiste

Une courte conversation avec Frank Eber

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La deuxième d'une série quotidienne exclusive d'artistes:
Maîtres de l'aquarelle américaine - Frank Eber

Comment vous êtes-vous intéressé à l'aquarelle?
Je ne m'y suis vraiment intéressée qu'il y a environ 15 ans, lorsque j'ai vu pour la première fois une peinture de Percy Gray. J'avais toujours associé l'aquarelle avec des peintures de chiots dans un panier, des vignettes avec beaucoup de papier blanc ou quelque chose que vous voyez sur une pancarte sur un chantier de construction. Je ne pouvais pas croire que quelqu'un puisse peindre comme ça à l'aquarelle. Une peinture, comme une véritable œuvre d'art! Oui, je faisais vraiment partie de la foule qui considère l'aquarelle comme le «médium du croquis».

Je me suis essentiellement formé dans le milieu, étudiant la scène aquarelle britannique du 19ème siècle, les peintres de la scène californienne et "les Barbizons de Californie" du début du 20ème siècle. J'étais accro à la force naturelle du médium pour transmettre l'humeur, l'atmosphère et une douce sensation tonale. J'ai été formé à l'huile et à la gouache; de la gouache c'était un petit pas vers l'aquarelle.

Quels sont les aquarellistes qui vous ont le plus inspiré?
Mes héros sont Percy Gray et Marion Wachtel du mouvement de la scène californienne et Edward Harrison Compton. Plus tard, j'ai également été inspiré par Andrew Wyeth. Je devrais également mentionner John Singer Sargent, bien sûr!

Je dois dire que j'ai toujours été plus inspiré par les peintres à l'huile, comme Corot, Compton, Zorn, Sargent ou Carl von Marr. J'ai cette fascination pour peindre l'aquarelle comme un peintre à l'huile et j'ai appliqué de nombreuses techniques de peinture à l'huile à mon travail d'aquarelle. Ce n'est pas nouveau, les peintres du mouvement aquarelle britannique l'ont fait aussi.

Que recherchez-vous - qu'est-ce qui vous attire le plus - lorsque vous recherchez un sujet potentiel?
Presque tout peut être transformé en peinture. J'aime les scènes bucoliques mais je fais aussi beaucoup de portraits et de scènes urbaines. Les sujets de nature morte peuvent aussi être géniaux! Il s'agit principalement de motifs clairs et foncés, pas tellement de ce que c'est! Un peintre a dit un jour: "Une tête est quelque chose que vous choisissez pour que la lumière tombe." Cela vaut aussi pour la peinture de paysage. Une grange peut paraître spectaculaire sous la bonne lumière et super ennuyeuse par une journée terne! Je recherche également des éléments de design. En peignant la figure humaine, je suis attiré par l'émotion, l'expression et le geste.

Vous avez dit que la peinture sur place - en plein air - est le meilleur professeur.
Peux-tu élaborer?
La peinture en plein air vous apprend à travailler sous pression et à produire quelque chose. N'importe quoi. Les distractions telles que la lumière changeante, les mouches, le vent, la circulation et les spectateurs agaçants affineront votre capacité à vous concentrer.

Peindre à l'extérieur m'a aidé à mieux comprendre la couleur et la valeur. Il y a des changements de couleur et de valeur très subtils dans la nature que l'appareil photo a du mal à capter. Lorsque vous peignez sur place, vous pouvez voir, sentir, sentir et toucher votre sujet. Une partie de cette énergie entre dans le travail.

Pensez-vous qu'il y a des limites à la peinture en plein air?
Absolument. Bien que ce que j'ai dit auparavant soit vrai, il est très difficile de peindre des tableaux plus réfléchis, élaborés (pas nécessairement plus détaillés) ou plus grands à l'extérieur. Les situations d'éclairage changeantes vous obligent à prendre des décisions rapides qui peuvent être bonnes, mais pas toujours meilleures. Une approche plus calme et non perturbée peut donner une peinture plus élégante et sophistiquée. De plus, des conditions d'éclairage extrêmes qui ne durent que les dernières minutes ne peuvent être réalisées en studio qu'à partir de matériaux photographiques, c'est-à-dire une scène quelques minutes avant le coucher du soleil, etc.

Que voulez-vous dire en regardant une scène avec les yeux d'un peintre?
Les peintres voient ce que font les objets et les formes, c'est ainsi qu'ils interagissent en termes de lumière, de valeur, de couleur et de design. Les peintres ne se soucient pas tellement de ce que c'est, ils ne voient que l'effet de la lumière sur elle. Les non-artistes voient les objets pour ce qu'ils sont, c'est-à-dire une voiture, un arbre ou un bâtiment. Souvent, ils ne voient même pas le jeu de la lumière et de l'ombre. Cela concerne également la troisième question, concernant le sujet.

Pensez-vous qu'un peintre peut trop modifier ou modifier une scène lorsqu'il peint sur place?
C’est facile à faire. J'ai foiré beaucoup de tableaux comme ça. Je pense que la clé est de reconnaître ce qu'est la scène, d'abord et avant tout. Si vous le comprenez, le processus d'édition n'est pas si difficile. Étant donné que nous traitons principalement trop d'informations, le processus d'édition doit être rapide et décisif, et soutenir la vision et l'histoire que vous racontez, mais ne pas éloigner l'essence de ce qui est peint.

Changer une scène - plutôt que simplement la modifier - est beaucoup plus difficile et les choses peuvent rapidement mal tourner. Il est très difficile de créer une lumière différente. Une fois, j'ai voulu peindre la statue d'Albrecht Dürer en Allemagne après l'avoir vue sous une lumière merveilleuse. Le jour de la peinture, il n'y avait bien sûr pas de soleil et je n'avais pas pris de photos. J'ai essayé de le faire de mémoire, mais cela s'est avéré faux, en quelque sorte faux. Je ne sais pas ce que c'était. Changer radicalement une scène est donc une affaire délicate et je ne le recommande pas. Maquiller une ombre n'est pas si difficile ou changer un peu certaines couleurs peut parfois améliorer une scène, mais je reste définitivement à l'écart des changements majeurs.

Vous avez toujours souligné l'importance des valeurs et des modèles de valeur. Sont-ils les clés - les points de départ - d'une bonne peinture?
Je suppose que vous pourriez les appeler des points de départ. La clé d'une bonne peinture est une combinaison de beaucoup de choses différentes. Remarquer le modèle de valeur est certainement une première étape importante. Nous devons d'abord voir quelque chose qui éveille notre âme artistique. Pour répondre différemment à votre question, je pense que la chose la plus importante pour une bonne peinture est l'inspiration. Nous devons être inspirés. C'est une grosse affaire! Sans inspiration, nous commençons à parcourir les mouvements, à peindre le «même vieux, même vieux» et l'art commence à paraître formel et ennuyeux. Le plateau artistique serait quand un peintre fait le tour du monde et produit la même peinture, peu importe où elle est peinte!

Faites-vous des études de petite valeur ou des ébauches de couleur préliminaires?
Je ne fais des études de valeur que s'il y a quelque chose à propos d'une scène que je ne comprends pas complètement ou que je ne sais pas comment résoudre. C’est alors qu’une étude de valeur peut vraiment aider. Si vous débutez la peinture, je les recommande fortement et nous les faisons aussi dans mes ateliers. Je ne fais pas d’ébauche de couleur préliminaire, je préfère juste peindre une petite peinture à la place.

En parlant d'études de valeur: j'ai découvert grâce à l'enseignement qu'il y a beaucoup d'étudiants qui peuvent réussir une véritable étude de valeur en noir et blanc et ne parviennent pas à faire une version couleur juste après. Cela m'a dit que les études de valeur ne pouvaient pas faire grand chose et j'ai commencé à changer mon enseignement en conséquence.

Beaucoup de vos tableaux présentent des sujets complexes tels que les bâtiments et les voitures. Combien de dessin préliminaire faites-vous?
Le dessin préliminaire fait partie intégrante de mon processus de peinture. Le dessin est l'âme de la peinture, tout en dépend. J'apprécie beaucoup la partie dessin et certains jours, c'est un indicateur pour moi de la façon dont la peinture se déroulera. Cela semble étrange, mais c'est vraiment vrai: si je suis raide et hésitant pendant le processus de dessin, cela continuera très probablement à la peinture! Si mon dessin est d'abord lent et peu sûr, j'essaie vraiment de me détendre, de serrer la main et de vider ma tête pour me calmer. Une fois que j'aurai un joli dessin au crayon, je sais que je peindrai bien. Tout est connecté. Comme le dit le dicton: "Tout est dans votre tête."

Cela me rappelle une autre chose malheureuse que je vois souvent chez les étudiants: ils ne croient pas vraiment pouvoir bien peindre. Ils sont contrôlés par la peur, qui n'est rien d'autre que l'ego, non? Vous avez peur de ne pas être assez bon, etc., etc. Le fait est que vous ne pouvez pas vous exprimer artistiquement si vous avez peur.

Quels sont les plus gros inconvénients du travail à partir de photos?
Ne pas vivre la scène dans la vraie vie entraîne certains problèmes. Mon but dans la peinture en plein air est de toujours capturer autant que possible l'ambiance de la scène. Il est difficile de ressentir l'ambiance sur une photo sans être allé sur place. Si vous prenez vous-même les photos sur place, c'est bien et cela vous sera d'une grande aide lors de la peinture.

D'autres inconvénients sont que l'appareil photo déforme l'image, ce que j'appelle l'effet de l'objectif fisheye. C'est particulièrement délicat dans les scènes urbaines. Si vous vous tenez au coin d'une rue et que vous regardez dans la rue, essayez de tenir votre appareil photo au niveau des yeux et comparez l'image de l'écran à ce que vos yeux voient. La caméra en met trop, même le truc qui se trouve à trois mètres à droite. Je m'assure toujours de zoomer et de le rapprocher de sa «taille réelle», pour ainsi dire.

Une autre mauvaise chose se produit lorsque vous essayez de prendre des photos de grands immeubles. Ça ne peut pas être fait! Ils finissent par ressembler à des triangles hérissés sur la photo!

Avez-vous des couleurs sur lesquelles vous vous fiez à maintes reprises - et d'autres que vous essayez d'éviter?
Sûr! J'utilise toujours toutes les couleurs de la nature! Bleus, rouges et jaunes… oh, et des tons de terre! Je ne plaisante qu'à moitié ici!

La plupart de mes plus gros lavages sont un mélange de primaires. J'utilise des couleurs de commodité comme le turquoise de cobalt (le viridian dans les pigments d'huile) ou le violet ultramarine - des couleurs et des mélanges essentiellement secondaires. Pour les primaires, j'utilise du bleu de cobalt, du carmin et de l'ocre doré de Vérone ou du bleu outremer, du magenta et de la terre de Sienne brûlée.

Je reste à l'écart des pigments comme le bleu de Prusse ou tout ce qui commence par «Thalo». J'entends toujours que j'ai une "palette limitée" mais je ne le pense pas. Comment est-il limité lorsque j'utilise toutes les couleurs primaires et secondaires?

Quel papier préférez-vous généralement?
J'aime le bloc Arches, 140lb, brut. Je souhaite seulement qu'ils fassent des blocs de tailles plus variées. Les feuilles régulières d'Arches sont également très bien, mais elles sont certainement un papier différent.

Avez-vous des réflexions sur l'avenir de l'aquarelle?
Oui. Je suis préoccupé par le faible pourcentage de jeunes qui s'intéressent à l'aquarelle. Les grandes sociétés d'aquarelle devraient se concentrer davantage sur l'obtention de jeunes membres. Ils devraient parrainer des expositions présentant le travail de jeunes artistes et offrir des bourses à de jeunes artistes prometteurs travaillant à l'aquarelle. De plus, les grandes sociétés d'aquarelle devraient essayer de s'aligner sur les programmes artistiques des universités dans leurs régions immédiates.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un jeune aquarelliste en herbe?
Conseil? Je pourrais en utiliser moi-même! Sérieusement, travaillez dur sur votre métier! Apprenez à bien dessiner. Étudiez la peinture, sinon académiquement, au moins dans une école qui enseigne toutes les bases, c'est-à-dire le dessin, la perspective, l'anatomie, etc. Croyez en vous et en votre art. Ne demandez pas à votre famille et à vos amis des critiques. Ne te prends pas trop au sérieux! C’est du pigment sur du papier.

Faites des expositions de groupe et des compétitions au début. Les one-man shows sont pour des artistes confirmés, pas pour quelqu'un qui commence. Développez une peau épaisse. Préparez-vous à faire face au rejet, aux petits amis artistes, à la jalousie et à l'envie. Oh, et souvenez-vous de celui-ci: les gens vous diront ce que vous voulez entendre.

C'est souvent qui vous connaissez et à quel point vous êtes bien connecté qui peut faire toute la différence. Soyez conscient des réalités: le monde occidental a peu de considération pour l'aquarelle. De nombreuses galeries n'acceptent pas les aquarelles. Les aquarelles ne rapporteront pas autant que les peintures à l'huile. Les jurés n'accordent généralement pas d'aquarelles.

N'oubliez pas que les plus grands artistes restent étudiants toute leur vie. Faites de la création d'art, la peinture est prioritaire. Tout le reste vient après. Et relisez ça!

Frank Eber est né en Europe et est un aquarelliste professionnel à temps plein vivant en Californie. Frank a peint à travers l'Europe et l'Amérique. Il est un membre emblématique de l'American Watercolour Society, de la National Watercolour Society, de la Transparent Watercolour Society of America et de Watercolour West. Frank enseigne et anime des ateliers et des démonstrations aux niveaux national et international.


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